Ludwig Göransson sur ce qui manque dans la partition d'Oppenheimer

Dec 12, 2023

Oppenheimer de Christopher Nolan est peut-être un drame historique de trois heures rempli de scènes de scientifiques et de politiciens discutant dans des salles, mais il se déroule comme un film d'action effréné. Une partie du mérite en revient à la magnifique partition de Ludwig Göransson, qui frémit et gronde partout, se construisant et se construisant de la même manière que le récit de Nolan. Le compositeur suédois, également connu pour ses collaborations avec Ryan Coogler (il a remporté un Oscar pour Black Panther) et Childish Gambino, a déjà travaillé avec Nolan sur la musique innovante de Tenet de 2020, une bande originale qui obsède encore certains d'entre nous. Le réalisateur, qui a entretenu pendant de nombreuses années une collaboration fructueuse et influente avec Hans Zimmer, est connu pour apporter un soin particulier à ses partitions. Lui et Göransson semblent tous deux aborder la musique de film sur des plans conceptuel et émotionnel.

Comment avez-vous parlé pour la première fois de ce film avec Christopher Nolan ? Après avoir lu le scénario, l'une des choses qu'il a mentionnées était qu'il voulait expérimenter un instrument et un son : il envisageait le violon, et j'ai trouvé cela très excitant. Je n'ai pas été surpris, mais j'ai pensé que c'était un grand défi. Ma femme est violoniste, Serena Göransson, alors je suis rentré directement chez moi et nous avons commencé à collaborer dans mon studio et à expérimenter les sons.

Ce que Chris voulait vraiment, c'était capturer la personnalité d'Oppenheimer, son comportement névrotique et son caractère. Je pense qu'il y avait quelque chose avec le malaise du violon, de l'instrument sans frettes, comment on peut passer du son le plus romantique et le plus beau et, en fonction de la performance, changer en une fraction de seconde à quelque chose de névrotique et déchirant. C'est donc quelque chose que nous avons beaucoup expérimenté au début : comment prendre un son d'horreur traditionnel et le transformer en un son plus romantique, puis passer entre ces deux paysages sonores différents.

Surtout dans la seconde moitié du film, Oppenheimer est rongé par la culpabilité, mais il ne parvient jamais vraiment à l'exprimer. Une grande partie de ce qui lui arrive est interne. Ce qui veut dire que parfois le film doit exprimer cela de manière formelle. J'imagine que la musique y joue un rôle énorme ? Absolument. C'est un personnage tellement complexe, évidemment génial, mais je pense que parfois peu de gens peuvent le comprendre. Son thème central est joué par le violon d'une manière très simple et intime avec six notes. Mais tout au long du film, j'ai ce thème avec beaucoup d'idées folles, mathématiques, rythmiques et complexes autour. Lorsque j'ai commencé à travailler sur le film, Chris m'a invité à une première projection de certaines de leurs expériences visuelles. J'ai vu comment ils faisaient cette division des atomes avec cette lumière ultraviolette tourbillonnant. J'étais assis dans une salle sombre et je voyais cet écran géant et ces lumières tourbillonnantes. C'est essentiellement à ce moment-là que je me suis dit : « D'accord, c'est à ça que je veux que la musique sonne. »

Le film tout entier donne toujours l'impression de construire, de construire et de construire vers quelque chose. C'est très rapide, jamais ennuyeux. Qu’est-ce qui, dans la musique, aide à construire ? Est-ce le rythme ou les instruments particuliers utilisés ? C'est les deux. Ainsi, par exemple, après avoir commencé avec le violon solo, au fur et à mesure que l'histoire continue, de plus en plus de musiciens nous rejoignent. Un violon solo peut le rendre très intime et sincère, mais vous pouvez progressivement introduire un quatuor et un octuor, puis l'ensemble des cordes, jouer avec ce son et le manipuler également. Le son devient de plus en plus gros. C'est aussi pourquoi c'est si génial de travailler avec Chris : il a un si bon sens du tempo et du rythme.

Ces motifs visuels récurrents – tourbillons de lumière, étincelles, gouttelettes et ondulations, tous ces petits éléments – nous montrent comment Oppenheimer voit le monde, ou comment une personne possédant ce type de connaissances pourrait voir le monde. Alors qu’est-ce que cela signifie pour vous musicalement ? Je pense que c'est pour cela qu'il était si important de retrouver ce thème à six notes qui revient dans différentes itérations. Mais ce qui se passe autour de lui est très complexe. Par exemple, je ne sais pas si vous vous souvenez du montage d'ouverture où il est étudiant en Allemagne, et il va au musée, vous voyez le tableau de Picasso et toutes ces choses. Dans ce montage, il y a un motif de violon avec l'orchestre à cordes qui démarre à 75 battements par minute, ce qui est un tempo un peu plus lent, mais le personnage est quand même joué assez vite. Mais à la fin de cette scène, elle se termine trois fois plus vite. J’étais très, très excité par toute cette illusion de tempo. Et cela s’est vraiment concrétisé avec la première visualisation que j’ai eue des atomes tourbillonnants. Vous les voyez devenir de plus en plus rapides, et finalement c'est presque flou. Et c'est ce que je voulais réaliser avec la musique. Le truc, c'est qu'il y a une accélération constante tout au long de la scène, mais c'est plutôt une sensation. Comme vous l'avez dit, le public suit vraiment l'histoire à travers la performance de Cillian Murphy, qui est exceptionnelle. Donc la musique doit vraiment vous faire ressentir ce qu'il ressent.